Agustina Ferreyra

Nosotrxs, la exhibición inaugural de Commonwealth and Council x Galeria Agustina Ferreyra celebra el parentesco, la amistad y el cuidado, reflejando no solo las obras de los artistas expuestos, sino también la chispa que enciende esta nueva empresa entre dos jóvenes galerías. Galería Agustina Ferreyra, con sede en Puerto Rico, y Commonwealth and Council, con sede en Los Ángeles, entablaron una amistad inicialmente a través de Zoom en los primeros días de la pandemia por una conexión profesional. Rápidamente encontramos afinidades en nuestras historias de origen: visiones dirigidas por artistas que gradualmente formaron nuestras familias elegidas fortalecidas por fibras conectivas intergeneracionales, diaspóricas y queer: nuestras misiones y valores. También encontramos puntos en común en nuestras luchas, forjando un futuro sostenible para las galerías con programas en gran parte emergentes en un mercado en constante aceleración.

Las esculturas de Ramiro Chaves en madera y técnica mixta continúan una serie de figuras de sapos y otros bufoides que han habitado como capas la imaginación del artista en los últimos años. La realización de estos personajes no constituye un proyecto sino un intento repetitivo más cercano a una exploración constante del autorretrato. Estos sapos surgieron de una experiencia psicodélica y al cabo de un tiempo se convirtieron en una especie de metáfora neoténica para el artista, la representación de una persistencia brutal infantil atravesado por una madura, casi podrida, temporalidad de la luz.

Las pinturas de Leonel Salguero toman la forma de bodegones que se comportan un poco como paisajes o retratos al mismo tiempo y celebran los elementos cotidianos que tejen historias de amistad y nuestras familias elegidas. Salero sigue la tradición de las pinturas de vanitas, posa un salero de cerámica con forma de fresa de regalo “mirando” una vela encendida. En Doritos Mix hay tensión entre el romanticismo de una sábana azul que recuerda a un paisaje marino con olas y un bol de Doritos Nachos, Doritos 3D, y algo llamado Doritos Dinamita que no es más que una copia del Takis Fuego.

Para esta ocasión, Ulrik López presenta una serie de esculturas que se desarrollan sobre temas subjetivos y materiales, que se han convertido en el eje de la última obra del artista. Siguiendo una serie de obras de adobe presentadas en Kurimanzutto (2021), el trabajo de López utiliza papel maché como un códice para registrar eventos personales como sueños e interacciones cotidianas. Su trabajo celebra y llama la atención sobre el papel y la elaboración del papel por parte de las culturas precolombinas como un material valioso para registrar información y un objeto sagrado utilizado en los sacrificios en Teotihuacan por los pueblos mesoamericanos.

Nacida en 1926, Geles Cabrera ocupa un lugar único en la trayectoria del arte mexicano como una de las escultoras más destacadas de México. Ampliamente reconocida como la escultora que abrió el camino a las mujeres en este campo de las artes plásticas y como la primera en romper con el arte escultórico formal, participó de la ruptura abierta por el movimiento modernista mexicano. Sus esculturas visionarias, situadas entre la abstracción y la figuración, ofrecen nuevos entendimientos de la forma humana.

Nuestra aventura en la CDMX marca nuestro esfuerzo por encontrar formas colaborativas y colectivas de sobrevivir, prosperar y hacer crecer nuestras comunidades de artistas y simpatizantes. Hablando de este ethos, las obras de tres artistas del programa de Commonwealth and Council, Kang Seung Lee, Leslie Martinez y rafa esparza, convergen en la exploración e interpretación de las formas en que el parentesco y la rareza pueden manifestarse materialmente.

Kang Seung Lee trabaja con técnicas que requieren mucha mano de obra, como el bordado a mano y el dibujo, para rendir homenaje a otros artistas queer. A través de la repetición y la reproducción, Lee encarna momentos críticos y a menudo pasados por alto de la historia del arte queer y considera la circulación y el legado de estas piedras angulares. ¿A qué fines (si hay) sirve la conmemoración? Untitled (David Wojnarowicz, Peter Hujar’s Hand, 1988) es un redibujo de una fotografía homónima de Hujar (él mismo fotógrafo) mientras sufría una enfermedad relacionada con el SIDA. La mano de Hujar, con manchas hepáticas, pecas y cabello fielmente reproducidos, se convierte en sinécdoque para el cuerpo queer envejecido y moribundo y la mirada (o mano) invisible que lo registra. El dibujo de Lee registra no solo a Hujar en su lecho de muerte, sino también el acto de documentación y cuidado de Wojnarowicz, enfatizando la naturaleza intergeneracional de la solidaridad y las conexiones de las generaciones sucesivas con sus predecesores.

Who will care for our caretakers encripta y conmemora el texto de Pamela Sneed, encarnando las preguntas planteadas por el dibujo de Lee. La “fuente” se deriva del texto ASL del difunto Martin Wong: manos en bloque, similares a la escritura cuneiforme, el cual crea un ritmo de elevación y dedos torcidos. Bordado a mano en sambe, un tejido de cáñamo coreano utilizado como sudario funerario, propone una forma de duelo y de rendir tributo a través del proceso y el trabajo.

Lee indexa el legado, lo que queda, concentrado en instantes (tiempo, registrado en imagen); La pintora radicada en Dallas, Leslie Martínez, trata de manera similar con lo que queda tras un evento o una existencia. Las pinturas de Martínez incorporan los descartes del proceso de pintura, transformando trapos de pintura, roca triturada y carbón, aserrín y pigmento en acumulaciones de color y luz. Inherente a esta práctica de reutilización y salvamento hay una afinidad con las tácticas improvisadas: identificar y movilizar una capacidad transformadora que surge de las subjetividades de lo queer y la frontera y sus intersecciones precarias pero productivas. Al dar cuerpo a la acción y la calidad de la luz —floraciones prismáticas que se extienden desde crestas y uniones encostradas—, Martínez considera una permeabilidad necesaria por la marginalidad, pero siempre basada en realidades materiales y corporales.

Las nuevas pinturas de rafa esparza también consideran cómo el cuerpo moreno y queer puede ser interpolado a través del material y sus resonancias. esparza pinta directamente sobre superficies de adobe hechas con una receta aprendida de su padre, originalmente un ladrillero de Durango, México. Eddie es un retrato salpicado de sol, una carta de amor a las luces y sombras moteadas de Los Ángeles que se refleja en una gorra de los Dodgers y en el manubrio de una bicicleta. El tono base de la piel de la figura es el del adobe en blanco que esparza ve como una metáfora de la piel morena y su relación con la tierra y la tierra: un legado indígena llevado por y dentro del cuerpo. Al igual que Martínez, las pinturas de esparza invierten las jerarquías de “suelo” y “superficie”, elevando la tierra que pisamos sobre la pared blanca de la galería. La textura natural del adobe hace que el trabajo sea casi escultórico: pedazos de heno sobresalen de las esquinas desgastadas y redes de protuberancias y crestas imitan la cara de estuco de una pared.

Los tres artistas trafican en lo visible pero no siempre tangible, desde la tierra, el heno, los trapos de pintura y el hilo de oro hasta las cualidades de la luz y el sol y los legados de los difuntos. En medio de esta celebración gozosa de las confluencias de lo material y la comunidad, hay un fantasma; los participantes invisibles de la memoria y los parientes ausentes. Lo que surge es una afirmación de que ninguna entidad individual opera sola.

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Nosotrxs, the inaugural show of Commonwealth and Council x Galeria Agustina Ferreyra celebrates kinship, friendship, and care, reflecting not only the works of the artists on view but also the kindling spark of this new enterprise between two young galleries. Galería Agustina Ferreyra, based in Puerto Rico, and Commonwealth and Council, based in Los Angeles, forged a friendship initially over Zoom in the early days of the pandemic over a professional connection. We quickly found affinities in our origin stories—artist-led visions that gradually formed our chosen families strengthened by intergenerational, diasporic, queer connective fibers—our missions and values. We found common ground in our struggles, carving out a sustainable future for galleries with primarily emerging programs in an ever-accelerating market. Our CDMX adventure marks our effort to find collaborative, collective-centering ways to survive, thrive, and grow our communities of artists and supporters.

Ramiro Chaves‘ wood and mixed media sculptures are the continuation of a series of figures of Sapos and other buphoid creatures that have inhabited the artist’s imagination like layers in recent years. The realization of these characters does not constitute a project but a repetitive attempt closer to a constant exploratory self-portrait. These toads arose from a psychedelic experience. After a while, they became a kind of neotenic metaphor for the artist, representing a brutal infantile persistence crossed with a mature, almost rotten, temporality of light.

Leonel Salguero‘s paintings take the form of still lives that behave a bit like landscapes or portraits at the same time and celebrate the everyday items that weave stories of friendship and our chosen families. Salero follows in the tradition of vanitas paintings, posing a gifted strawberry-shaped ceramic salt shaker “looking” at a lit candle. In Doritos Mix, there is tension between the romanticism of a blue sheet reminiscent of a seascape with waves and a bowl of Doritos Nachos, Doritos 3D, and something called Doritos Dinamita, which is nothing more than a copy of the Takis Fuego.

For this occasion, Ulrik López presents a series of sculptures that develop on subjective and material themes, which have become the focus of the artist’s latest work. Following a series of adobe works presented in Kurimanzutto (2021), López’s work utilizes paper-mache as a codex to register personal events such as dreams and everyday interactions. His work celebrates and brings to attention the role and elaboration of paper by pre-Columbian cultures as a valuable material for registering information and a sacred object used in sacrifices in Teotihuacan by the Mesoamerican people.

Born in 1926, Geles Cabrera occupies a unique place in the trajectory of Mexican art as one of Mexico’s most prominent female sculptors. Widely recognized as the sculptress who paved the way for women in this field of plastic arts and as the first to break with formal sculptural art, she participated in the rupture opened up by the Mexican modernist movement. Her visionary sculptures, situated between abstraction and figuration, offer new understandings of the human form.

Kang Seung Lee works with labor-intensive techniques including hand-embroidery and drawing to pay tribute to other queer artists. Through repetition and reproduction, Lee embodies critical and often overlooked moments of queer art history and considers the circulation and legacy of these touchstones. What ends (if any) does memorialization serve? Untitled (David Wojnarowicz, Peter Hujar’s Hand, 1988) is a redrawing of an eponymous photograph of Hujar (himself a photographer) as he suffered from AIDS-related illness. Hujar’s hand, with liver spots, freckles, and hair faithfully reproduced, becomes synecdoche for the aging, dying queer body and the invisible gaze (or hand) that records it. Lee’s drawing records not only Hujar on his deathbed but also Wojnarowicz’s act of documentation and care, emphasizing the intergenerational nature of solidarity and successive generations’ connections to their predecessors.

Who will care for our caretakers both encrypts and memorializes text by Pamela Sneed, embodying the questions raised by Lee’s drawing. The “font” is derived from the late Martin Wong’s ASL text: blocky, cuneiform-like hands creating a rhythm of raised and crooked fingers. Hand-embroidered on Sambe, a Korean hemp fabric used as burial shroud, it proposes a way of mourning and paying tribute through process and labor.

Lee indexes legacy, that which is left behind, concentrated in moments (time, recorded in image); Dallas-based painter Leslie Martinez similarly traffics in what is left in the wake of an event or existence. Martinez’s paintings incorporate the discards of the painting process, transforming paint rags, crushed rock and charcoal, sawdust, and pigment into accumulations of color and light. Inherent to this practice of reuse and salvage is an affinity with a tactics of makeshift: identifying and mobilizing a transformative capacity that emerges from subjectivities of the queer and borderland and their precarious, yet productive, intersections. In giving embodiment to the action and quality of light—prismatic blooms sprawling from crusted ridges and junctions—Martinez considers a permeability necessitated by marginality, yet always grounded in material and bodied realities.

A new painting by rafa esparza also consider how the Brown, queer body may be interpolated through material and its resonances. esparza paints directly onto adobe surfaces made with a recipe learned from his father, originally a brickmaker from Durango, Mexico. Eddie is a sunsplashed portrait, a love letter to Los Angeles’ dappled light and shade, glancing off of a Dodgers hat and a bike’s tricked-out handlebars. The figure’s base skin tone is that of blank adobe, which esparza sees as metaphor for Brown skin and its relation to land and earth: an indigenous legacy, carried by and within the body. Like Martinez, esparza’s paintings invert hierarchies of “ground” and “surface,” raising the dirt we tread upon onto the white gallery wall. The adobe’s natural texture renders the work almost sculptural—bits of hay protrude from fraying corners, and networks of bumps and ridges mimic a wall’s stucco face.

The three artists assembled traffic in the seen but not always tangible, from earth, hay, paint rags, and gold thread to the qualities of light and sunshine and the legacies of those departed. Amidst this joyous celebration of the confluences of material and community is a haunting; the invisible participants of memory and absent kin. What emerges is an affirmation that no single entity operates alone.