Galería Agustina Ferreyra - San Juan

Curatorial Text/Texto curatorial por Mariel Vela

Las seis pinturas que componen esta exposición se encuentran en un proceso simultáneo de éxtasis anatómico y autoconservación glamorosa. Este cuerpo de trabajo, que consta de una gran variedad de técnicas y sustratos, afirma el espíritu policorpóreo y polipictórico en la creación de pinturas de Nicole Chaput. Sus representaciones desobedientes de mujeres juegan a disfrazarse con los códigos opresivos que las atrapan en los ideales occidentales de belleza y la mirada masculina; vestirse y desvestirse desde la violencia grabada en su propia iconografía. A través de este lente, Chaput enuncia la pintura al óleo como una prenda con la que vanamente se complementan sus figuras para experimentar cómo modelan el trauma. Exhibidas en el Convento Carpaccio como filetes, las figuras femeninas retratadas nos permiten visualizar la carne adornada, la materia visceral y la descarga psíquica en una fina y exquisita rebanada: el plano pictórico encarnado. Preocupada por crear nuevas mitologías en torno al cuerpo femenino y su representación, el texto expositivo de Mariel Vela se formatea como una obra de teatro donde las pinturas de Chaput dialogan entre sí.

Nota: El plato carpaccio lleva el nombre del pintor veneciano Vittoire Carpaccio, inspirado en sus vivos rojos y blancos.

Nicole Chaput (Ciudad de México, 1995) hace cuerpos especulativos de la anatomía femenina en contextos de opresión. La constitución figurativa de las criaturas femeninas que propone reivindica el imaginario físico de su cuerpo como estrategia de resistencia y supervivencia. Trabajando de manera prominente con la pintura al óleo y la escultura suave, aborda el retrato no solo como un terreno pictórico, sino como un organismo sustituto que permite que su cuerpo aborde la materialidad y la composición como un índice narrativo del ecosistema psíquico y social del cuerpo. Estas obras crean un holograma que trenza los enfrentamientos entre el cuerpo subcutáneo con sus manifestaciones externas en la carne. Cambiando de vísceras a bolsos con monogramas, Chaput crea una mirada entre el lujo y la sangre.

The six paintings that make up this exhibition are in the simultaneous process of anatomical ecstasy and glamorous self-preservation. Consisting of a hefty range of techniques and substrates, this body of work asserts the poly corporeal and poly pictorial spirit in Nicole Chaput’s paintmaking. Her disobedient representations of women play dress-up with the oppressive codes that entrap them in Western ideals of beauty and the male gaze, dressing and undressing from the violence engraved upon their own iconography. Through this lens, Chaput enunciates oil paint as a garment with which her figures vainly accessorize to experiment with how they fashion trauma. Displayed in Convent Carpaccio as filets, the female figures portrayed allow us to visualize adorned flesh, visceral matter and psychic discharge in one thin, exquisite slice: the embodied picture plane. Concerned with creating new mythologies around the female body and how it is represented, the exhibition text by Mariel Vela is formatted as a play where Chaput’s paintings dialogue with each other.
Note: The dish Carpaccio was named after the Venetian painter Vittoire Carpaccio, inspired by his vivid reds and whites.

Nicole Chaput (Mexico City, 1995) makes speculative bodies of female anatomy in contexts of oppression. The figurative constitution of the femme creatures she proposes claims the physical imagery of their body as a strategy of resistance and survival. Working prominently with oil painting and soft sculpture, she approaches portraiture as not only a pictorial ground, but as a surrogate organism that enables its body to address materiality and composition as a narrative index of the body’s psychic and social ecosystem. These works create a hologram that braids the confrontations between the subcutaneous body with its external manifestations in the flesh. Flipping from viscera to monogramed handbags, Chaput creates a stare down between luxury and blood.

A lo largo de mi vida y mi carrera, he tenido la oportunidad de aprender y nutrirme profundamente de la ideas de muchas mujeres, mismas que le han otorgado un poder inexplicable a mis propias ideas, y quienes han potencializado y cambiado mi forma de entender y ver el mundo. Vida Social, es una exhibición colectiva, basada en el pensamiento de la feminista, activista y antropóloga afro-dominicana, Ochy Curiel. Particularmente, está basada en una conferencia otorgada en el marco de la presentación de su libro Descolonización y Despatriarcalización de y desde los feminismos de Abya Yala, (Ochy Curiel, María Galindo, ACSUR- Las Segovias, 2015), durante la feria del Libro Index de la ciudad de Mexico en el 2021.
En ésta, Curiel abordó la manera en la que la sociología contemporánea latinoamericana ha tomado la teoría de ontologías relacionales y cosmo-praxis como punto de relación para que podamos entender de otra manera nuestra “vida social”, dejando a un lado el antropocentrismo y el reduccionismo cultural, para encontrar el “estando-vivo”, una instancia caracterizada por las dinámicas relacionales que se producen entre sus integrantes (cosas, seres, entornos, ambientes). Metafóricamente, podemos hablar de “trenzados” de vida, constantes y abiertos, que abren nuestras existencias a una dialéctica compleja que está cambiando constantemente, en vez de reducirnos a categorías homogéneas para la absorción del capitalismo y el control derivado del consumo de nicho.
Me interesa explorar la idea de la cosmo-praxis y la sensibilidad relacional en un espacio de arte, como aquella que denota la dimensión social de la vida en constante movimiento entre casas, familias, vivos y muertos, paisajes, animales, sistemas, cerros, valles y cuerpos de agua.
La experiencia humana se mueve constantemente bajo sus propios impulsos, pero también es movida -y con-movida- por los contextos o entornos –con todo aquello que nos sucede e impacta, generando así continuas sincronizaciones entre todos estos movimientos (líneas, o rizomas) y nuestras pulsiones de vida y muerte. Este proceso entero se entrega, integra y hace evidente en la práctica artística, encerrando todas estas experiencias en la semiología de los materiales y medios, que permiten generar abstracciones que conectan y tejen todo esto en una totalidad, hecha por nosotros y para otros.
Un mundo en donde caben todos los mundos.
Mi interés curatorial en esta ocasión, se basa en traer a este espacio, una selección de artistas cuyas prácticas que han chocado con mi propio mundo, por alternas, disímiles o disidentes, y que en ese sentido son un mundo en sí mismo, abordado desde la inevitable imprimatura de los artistas incluidos, quienes habitamos estas geografías políticas que nos unen, a su vez, a otro submundo; el del trauma post colonial compartido, que ha desfigurado y reconfigurado nuestras identidades, pero desde donde resistimos para seguir diseñando, creando y abstrayendo nuestros mundos y posibles futuros.
Me complace mucho exhibir y gestionar un proyecto en Puerto Rico, lugar que interpela a varios de las artistas invitados. En lo personal, pienso que Puerto Rico es un lugar cuyo poder cultural ha impactado a Latinoamérica y el mundo, a través de expresiones como la música, por ejemplo, vehículo que ha servido para unificar e identificarnos como un todo frente algo que no es homogéneo, reforzando así la idea de la sensibilidad relacional y la cosmo-praxis de Curiel.
Ser artista, es a veces ser isla; conocer tus límites, saberte pequeña, crear tus propios procesos, sentir el aislamiento y re-significar los métodos de conexión con la interdependencia para así trascender.

–Frieda Toranzo Jaeger

Throughout my life and career, I’ve had the opportunity to learn and be deeply nurtured and moved by the ideas of many women, women that have given me and my own ideas an inexplicable power; women who have potentialized and changed the way I understand, navigate and experience the world. Vida Social, is an exhibition based on certain concepts by the feminist, activist and Afro-Dominican anthropologist Ochy Curiel. Particularly, on some ideas taken from a conference Curiel gave in the presentation of her book “Decolonization y Depatriarchalization from and within the feminisms of Abya Yala” (Ochy Curiel, María Galindo, Descolonización y Despatriarcalización de y desde los feminismos de Abya Yala, ACSUR- Las Segovias, 2015) at the Index Book Fair in Mexico City in 2021. In it, Curiel addressed the way in which contemporary Latin American sociology has adopted the concepts of relational ontology and cosmo-praxis as connecting points from which we can reconfigure and understand our “social life”, leaving anthropocentrism and cultural reductionism behind, in order to find a “being-alive” state, an instance defined by the relational dynamics produced between its parts; things, beings, contexts and environments. Metaphorically, we can speak about life weavings and rhizomes, constant and open, that broaden our existence onto a complex dialectic that is ever-changing, as opposed to a system that reduces our experience to standardized categories convenient for the absorption of niche capitalism and consumption. I am interested in exploring Curiel’s idea of ‘cosmo-praxis’ and relational sensibility within an art space, as one that denotes the social dimension of life and its constant flux between geographies, houses, families, the living, the dead, landscapes, animals, systems, peaks, and valleys, bodies of water, etc.

Human experience is constantly moving with a pulse and an impulse of its own, but it is also moved – by context and surroundings, propelled by everything that happens to us and impacts us, generating continuous synchronizations and connections between these movements -lines, or rhizomes- and our life and death drives. It is also integrated, exercised and made evident in the artistic practice; experiences conceptualized, contained and then translated from the semiology of a medium and materials that allow artists to abstract concepts that connect, weave, intertwine and become a whole again, made by us and for others.

A world where all other worlds can exist.

My curatorial interest on this occasion is based on a small selection of artists and practices that have clashed with my own world, by being alternative to mine, dissimilar or dissident, and that in that sense are worlds on their own, inevitably expressed by the particularity of each of us and our practices, living in political geographies that connect us to yet another sub-world, one related to a shared post-colonial past and trauma that has disfigured and reshaped our identities, but from which we resist in order to continue designing, creating, and abstracting our current world into a possible future.

I am very pleased to exhibit and curate a project in a country like Puerto Rico, a place that relates to some of the artists in the exhibition. On a personal level, I think Puerto Rico is a place with an immense cultural power that has impacted and reshaped Latin America and the world through expressions like music, for example, serving as a vehicle to unify and gather us- a proverbial us- in the face of something that is impossible to standardize, thus reinforcing Curiel’s idea of relational ontology and cosmo-praxis.

After all, being an artist is at times being an island, knowing your limits, acknowledging your smallness, feeling isolated, creating your own process, and re-signifying the ways in which we connect with interdependency, in order to transcend.

–Frieda Toranzo Jaeger

Texto de exhibición por Dexter Dalwood

Exhibition text by Dexter Dalwood

A través de una amplia variedad de medios, la obra de Leonel Salguero (Ciudad Obregón, MX 1989) se preocupa por la tensión y la erosión entre lo ordinario y lo inesperado, así como por la vida de los objetos cotidianos. La simplicidad de su ejecución y composición, junto con su enfoque humorístico y minimalista de la pintura, el dibujo y la escultura, a menudo representa paisajes, personajes y objetos inverosímiles y misteriosos, atribuyendo características antropomórficas a cosas como herramientas, artículos para el hogar, vegetales, animales y juguetes.

Para su primera exhibición individual en la galería, Salguero nos presenta una selección de momentos cotidianos congelados en el tiempo. La familiaridad de los objetos y sujetos presentes en sus obras hablan de una intimidad discursiva y visual entre las cosas y cómo las experimenta, capturando su entorno en una serie de escenarios melancólicos y poéticos que mezclan la exquisita soledad de su estudio con recuerdos y sentimientos; un reloj, una puerta, un sombrero, una vela, todo común y familiar, pero muy emotivo y único.

Leonel Salguero vive y trabaja en la Ciudad de México. En 2013 obtuvo un BFA de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. Exposiciones recientes incluyen: Leonel Salguero & Heather Guertin, “SIEMBRA”, kurimanzutto, CDMX (2021); Liste Art Fair, presentación individual con Galería Agustina Ferreyra, Basilea (2020); “Una olla vigilada nunca hierve: meditaciones sobre la comida y el tiempo”, Galería Agustina Ferreyra, CDMX (2020); “Format Mondial”, Artemis Fontana, París (2019); “Placer frío, toque cálido”, Peana, Monterrey (2019); “Kaviar” Lagos, CDMX, (2019); “Pintura Fresca”, Edison 137, CDMX (2019); Exposición Residencia. Lagos, CDMX (2019); “Nuevo Manifiesto de Cine Mexicano”, Galería Lodos, CDMX (2018); “Cerrajería”, Lockup Internacional, CDMX (2018); “Simbiosis Mutualista”, sodA, CDMX (2018)

Through a wide variety of media, the work of Leonel Salguero (Ciudad Obregón, MX 1989) is concerned with the tension and erosion between the ordinary and the unexpected, as well as the life of everyday objects. The simplicity of his execution and composition, along with his humorous and minimal approach to painting, drawing and sculpture, often results in a depiction of improbable and uncanny landscapes characters and objects, often attributing anthropomorphic characteristics to things such as tools, household items, vegetables, animals and toys.

For his first solo exhibition at the gallery, Salguero presents us with a selection of quotidian moments frozen in time. The familiarity of the objects and subjects present in his works speak of a discursive and visual intimacy between things and the way in which he experiences them, capturing his surroundings in series of moody and poetic scenarios that blend the exquisite solitude of his studio with memories and feelings; a clock, a door, a hat, a candle, all common and familiar, yet highly emotional and unique.

Leonel Salguero lives and works in Mexico City. In 2013 he obtained a BFA from the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. Recent exhibitions include: Leonel Salguero & Heather Guertin, “SIEMBRA”, kurimanzutto, CDMX (2021); Liste Art Fair, solo presentation with Galería Agustina Ferreyra, Basel (2020); “A Watched Pot Never Boils: Meditations on Food and Time”, Galería Agustina Ferreyra, CDMX (2020); “Format Mondial”, Artemis Fontana, Paris (2019); “Cold Pleasure, Warm Touch”, Peana, Monterrey (2019); “Kaviar” Lagos, CDMX, (2019); “Pintura Fresca”, Edison 137, CDMX (2019); Residency Exhibition. Lagos, CDMX (2019); “Nuevo Manifiesto de Cine Mexicano”, Lodos Gallery, CDMX (2018); “Cerrajería”, Lockup International, CDMX (2018); “Mutualistic Symbiosis”, sodA, CDMX (2018).

La Galería Agustina Ferreyra se complace en presentar Puppies de Ad Minoliti, su tercera exposición individual en la galería.

Ad Minoliti aborda y despliega la dimensión queer y la política de la infancia a través de la pintura, el dibujo y la instalación. Su trabajo extiende el legado de la abstracción geométrica latinoamericana con el espíritu del juego infantil, desarrollando una estética única que pretende disolver las categorizaciones predominantes en las actitudes occidentales. Combinando ideas de la teoría queer y feminista, el animalismo y la infancia, la práctica de Minoliti sugiere que todas las identidades, orientaciones y subculturas tienen la misma agencia. Para esta exposición en particular, le artista transforma el hermético cubo blanco de la galería a través de murales que codifican el activismo en sus composiciones geométricas y colores (el naranja representa las protestas contra la iglesia y el gobierno, y el violeta representa el movimiento feminista latinoamericano). Sobre estos murales descansan pares de pinturas abstractas geométricas, que se reapropian de manera lúdica de las relaciones entre personas, flores y animales, sin especificidad ni sesgo de género. Puppies de Minoliti es una invitación abierta a visitar y revisar las imágenes del artista a medida que la instalación crece con el tiempo, culminando en una serie más extensa de pinturas que nos confronta con la idea de la infancia como el presente, no como una promesa del mañana.

Ad Minoliti (Buenos Aires, 1980) vive y trabaja en Buenos Aires. Su trabajo se centra en instalaciones experimentales en torno a la geometría y la abstracción que abarcan la historia del arte, la arquitectura, el feminismo queer, la infancia, el animalismo y la ficción especulativa. Su trabajo construye una geometría no binaria donde las teorías de género se aplican al lenguaje pictórico a través de la pintura, el collage y las técnicas mixtas. Obtuvieron un BFA de la Academia Nacional de Bellas Artes en Pueyrredón, Argentina. Exhibiciones reciente incluyen Biosfera Peluche / Biosphere Plush, Tate St Ives, St Ives UK (2022) & BALTIC Centre for Contemporary Arts, Gateshead Uk (2022); Play Theater, CCC OD, Tours FR(2021); Nave Vermelhe, Kunsthalle Lissabon, Lisbon PT (2020); Fantasías Modulares, MASS MoCA, North Adams US (2020); Museo Peluche, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), Buenos Aires AR (2019).

Galería Agustina Ferreyra is pleased to present Ad Minoliti‘s Puppies, their third solo exhibition at the gallery.

Ad Minoliti approaches and deploys the queer dimension as well as the politics of infancy through painting, drawing, and installation. Their work extends the legacy of Latin American geometric abstraction with the spirit of childhood play, developing a unique aesthetic that aims to dissolve the categorizations prevalent in Western attitudes. Combining ideas from queer and feminist theory, animalism, and childhood, Minoliti’s practice suggests that all identities, orientations, and subcultures hold equal agency. For this particular exhibition, the artist transforms the hermetic white cube of the gallery through murals that codify activism in their geometric compositions and colors (orange represents the protests against the church and the government, and purple represents the Latin American feminist movement). On top of the murals rest pairs of geometric abstract paintings that playfully reappropriate the relationships between people, flowers, and animals, without gender specificity or bias. Minoliti’s Puppies is an open invitation to visit and revisit the artist’s imagery as the installation grows over time, culminating in a a larger series of paintings that confronts us with the idea of childhood as the present, not a promise of tomorrow.

Ad Minoliti (Buenos Aires, 1980) lives and works in Buenos Aires. Their work focuses on experimental installations around geometry and abstraction that encompass art history, architecture, queer feminism, childhood, animalism, and speculative fiction. Their work builds a non-binary geometry where gender theories are applied to the pictorial language through painting, collage, and mixed media. They earned a BFA from the National Academy of Fine Arts in Pueyrredón, Argentina. Recent exhibitions include Biosfera Peluche / Biosphere Plush, Tate St Ives, St Ives UK (2022) & BALTIC Centre for Contemporary Arts, Gateshead Uk (2022); Play Theater, CCC OD, Tours FR(2021); Nave Vermelhe, Kunsthalle Lissabon, Lisbon PT (2020); Fantasías Modulares, MASS MoCA, North Adams US (2020); Museo Peluche, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), Buenos Aires AR (2019).

Capítulo 1 | El Vientre
Pulse aquí para escuchar el soundtrack de este capítulo.

Ultraviolencia de Paloma Contreras Lomas presenta un cuerpo de obra, que comprende tres dibujos de gran formato a color y un biombo. La muestra se desprende de un texto literario escrito por la artista, también incluido como parte de la exposición. Contreras toma el dibujo y la escritura como base y método de pensamiento para producir obra artística y esta muestra, no es la excepción. Después de varios años insistiendo en una congruencia moral y artística, Contreras Lomas decide abandonar su ansiedad católica de ser una artista congruente, pura y politizada (lo que sea que eso signifique).

“Las piezas apelan a una caricatura que me recuerda cuando dibujaba en el cuaderno de la preparatoria, escuchando cumbias, pop y reggaetón. Crecí viendo caricaturas políticas en el periódico y en los libros que guardaba mi papá, nunca les entendía, pero me fascinaban. Luego me acuerdo de lo caliente que me ponían unas. Hoy en día, me sigue pasando lo mismo”.

Las piezas cuentan una historia a manera de novela gráfica desordenada. Las imágenes son humorísticas y sexuales, pero también duelen, porque hablan de varios traumas peludos y terroríficos. Pero el más importante, es el deseo tan grotesco y explícito de hablar de lo mexicano. Ese mexicano de izquierda, chilango y disque politizado. Eseque la artista ha fantaseado con cogerse desde su adolescencia, sin pensar en qué a través de los años, se ha convertido en uno de ellos. Más pituda, más letrada, más aliada. Las piezas no pretenden decir verdades o lo que se debería de hacer. Tampoco hacer sentir bien a nadie o hacer lo correcto. Observar las obras, acompañadas del texto, tiene como objetivo hacer evidente ese asqueroso que llevamos dentro. El mismo que también nos excita y puede llegar a hacernos daño o darnos muchísimo miedo.

Ultraviolencia by Paloma Contreras Lomas presents a body of work that includes three large-format color drawings and a folding screen. The exhibition is derived from a literary text written by the artist, also included as part of the exhibition. Contreras Lomas takes drawing and writing as the basis and method of thought to produce artistic work, and this exhibition is no exception. After several years of insisting on moral and creative unity, the artist abandons her Catholic anxiety to be a harmonious, pure, and politicized artist (whatever that means).

“The pieces appeal to a caricature that reminds me of when I used to draw in my high school notebook, listening to cumbias, pop, and reggaeton. I grew up watching political cartoons in the newspaper and in the books my dad kept, I never understood them, but they fascinated me. Then I remember how hot some of them made me. The same thing still happens to me today.”

The pieces tell a story in the manner of a messy graphic novel. The images are humorous and sexual but also painful because they speak of various hairy and terrifying traumas. But the most important is the grotesque and explicit desire to talk about what is Mexican. That leftist Mexican, chilango, and politicized kind of man. The one the artist has fantasized about fucking since her adolescence, without thinking that, over the years, she has become one of them. “One with a bigger cock, more literate, more of an ally”. The pieces are not intended to tell truths or enlighten us on what should be done and how. Nor are they here to make anyone feel good or do the right thing. Experiencing the works, accompanied by the text, is something intended to make us feel that disgusting gross man within us. The same one that sometimes turns us on, can hurt us deeply or scare us to death.

Siempre estoy dado vuelta, audio by Tobías Dirty

La exhibición está compuesta por piezas híbridas, que se desplazan entre la pintura y el objeto. En su conjunto, buscan observar principalmente la relación entre el diseño de interiores, la arquitectura y la decoración con los cuerpos. Siempre estoy dado vuelta es una fantasía doméstica, donde los órganos humanos buscan imitar las estructuras rígidas de casas o edificios para realizar sus funciones vitales sin verse afectados, como si fueran un sistema de engranajes inanimados, mientras que los espacios y objetos comunes del hogar se representan con líneas curvas que distorsionan la función utilitaria de los mismos, haciendo hincapié en su multiplicidad simbólica y su fuerza afectiva. El montaje de la galería bordea la idea de “instalación total”, pensando la exhibición como una ficción en sí misma. De esta manera, la perspectiva psicodélica que desordena el interior de las pinturas, como las esculturas en sus bases invertidas, buscan torcer las nociones de tiempo y espacio en pos de una lógica surrealista donde no hay arriba ni abajo, burlando la verticalidad de la mirada colonial, y demostrando, efectivamente, su incapacidad para representar el mundo tal como lo imagina el arte.

La casa me duele en el cuerpo porque la casa soy yo y en cada cuarto y en cada parte un órgano mío trabaja. Desde la entrada hasta el depósito, todos los rincones representan piel y huesos que me forman, es a su vez un gran cerebro con el que pienso y entiendo.

Si la casa no es nueva, eso quiere decir que han dejado vida en ella. Por eso a veces me muevo en el interior como si fuera un espiritista intentando interpretar el mensaje que tiene para mí. Es una tarea delicada que requiere ciertos métodos sensibles para visualizar el presente, el pasado o el futuro que los espacios encierran.

Para mí la sensibilidad es la capacidad de conectar una cosa con otra, como se conecta la marca con su huella o un enchufe a la corriente eléctrica. Por eso no creo que haya gente más sensible que otra sino que hay personas propensas a generar dichas conexiones. Si la cocina es mi madre, el baño es mi abuela y la habitación es mi padre, entonces las partes de esta casa son mi familia. Como jardín no tengo, son mis hermanas las flores del balcón que perfumadas se ríen y juegan, poseídas al sol.

Estas comparaciones me ayudan a ver con claridad e imaginar que la casa me pertenece en un sentido afectivo, ya que soy querido por ella. Para las personas que no tenemos buena orientación, ni noción del tiempo, los recuerdos son lo más parecido al sentido común, es lo único que nos ordena en su disparatada forma de habitar nuestra memoria.

Es importante el orden en la casa, aunque cada uno tiene su propia idea sobre la limpieza y el lugar al que pertenece cada cosa.

Según yo, en el lavadero el pasado se aggiorna, se pliega, se dobla con cada día que corre, mientras el futuro se esconde en valijas amontonadas adentro de modestas bauleras que la casa supone. Nada está en desuso, todo tiene su propósito, nada es imprescindible, todo es digerible. Siguiendo con esta lógica, pienso que el living es el estómago, por eso hace ruidos. El televisor como espejo y como garganta traga noticias del mundo y las vuelca sobre la mesa del comedor. Pobre mi alma presa, presa está en la casa, porque cuando no estoy la recuerdo y cuando por fin llego, me trepo por las paredes como una araña. ¡Vamos!, que el ascensor es el recto y la puerta es el ano, por dónde entran y salen materias. No importa qué tan segura sea la casa, todas las puertas tienen una mirilla, por las dudas, por precaución. La nariz esta cerca de las tuberías de gas para detectar si hay alguna perdida y son los pisos mis manos, que me sostienen, siendo entonces el techo mis pies porque estoy dado vuelta, siempre estoy dado vuelta, apuntando a las estrellas que aunque el cielo raso las cubra igual las veo en busca de su guía. El sillón es el pene, porque allí se sientan los invitados. En el medio del comedor está la mesa ratona, no sé bien por qué todo siempre gira al rededor de ella, como si fuera el ombligo del mundo, ni porque le decimos ratona, tampoco puedo saberlo todo pero confirmo con determinación que las ventanas no son los ojos, son los odios. En cambio la mirada está perdida entre los objetos que guardo en mis cajones, en fotos, en libros de decoración, en envoltorios de caramelos, tabletas vacías de analgésicos, cremas, botones, monedas, un alfiler de gancho y un hilo hermoso, la pieza de un rompecabezas roto, un boceto abandonado y una pluma de ave que alguna vez traje de la calle con la ilusión de convertirla en una obra de arte.

–Tobías Dirty

The exhibition comprises hybrid pieces that move between painting and object. As a whole, they mainly seek to observe the relationship between interior design, architecture, and interior decoration with bodies. Siempre estoy dado vuelta (I’m always turnt) is a domestic fantasy, where human organs seek to imitate the rigid structures of houses or buildings to perform their vital functions without being affected as if they were a system of inanimate gears. At the same time, the spaces and everyday objects of the home are represented with curved lines that distort their practical function, emphasizing their symbolic multiplicity and affective force. The installation at the gallery borders on the idea of ”total installation,” thinking of the exhibition as fiction in itself. In this way, the psychedelic perspective that messes up the interior of the paintings, like the sculptures on their inverted bases, seek to distort the notions of time and space in pursuit of a surreal logic where there is no up or down, mocking the verticality of the colonial gaze, effectively demonstrating its inability to represent the world as art imagines it.

The house hurts my body because the house is me, and in each room and each part, an organ of mine works. From the entrance to the deposit, all the corners represent skin and bones that form me; it is, in turn, a great brain with which I think and understand.

If the house is not new, that means that life existed in it. That’s why sometimes I move inside as if I were a spiritualist trying to interpret the message it has for me. This delicate task requires specific sensitive methods to visualize the present, the past, or the future that spaces hold.

For me, sensitivity is the ability to connect one thing with another, as the brand is associated with your fingerprint or a plug to the electrical current. That’s why I don’t think there are more sensitive people than others, but people who are more susceptible to generating such connections.

If the kitchen is my mother, the bathroom is my grandmother’s, and the bedroom is my father’s, then the parts of this house are my family. Since I don’t have a garden, my sisters are the scented flowers on the balcony that laugh and play, possessed by the sun.

These comparisons help me see clearly and imagine that the house belongs to me in an affective sense since she loves me. For those who don’t have a good orientation or notion of time, memories are the closest thing to common sense; it is the only thing that orders us in its crazy way of inhabiting our memory.

Order in the house is essential, although everyone has their idea about cleanliness and where everything belongs.

In my opinion, the laundry is where the past gets bundled up; it folds with each passing day, while the future hides in suitcases piled up inside modest trunks that the house suppose. Nothing is obsolete; everything has its purpose, nothing is essential, everything is digestible. Following this logic, I think the living room is the stomach, which makes noises. The television as a mirror and as a throat swallows news from the world and spills it on the dining room table. My poor imprisoned soul, imprisoned in the house because when I am not there, I remember it, and when I finally arrive, I climb the walls like a spider. Come on! The elevator is the rectum, and the door is the anus, through which matter enters and leaves. No matter how safe the house is, all the doors have a peephole, just in case, as a precaution. The nose is close to the gas pipes to detect if there is a leak, and the floors are my hands, which support me, being then the ceiling my feet because I am turnt upside down, I am always turnt upside down, pointing to the stars that although the flat sky covers them, I still see them in search of their guide. The armchair is the penis because the guests sit there. In the middle of the dining room is the low coffee table, I’m not sure why everything always revolves around her as if she were the navel of the world, nor why we call her a mesa ratona, I can’t know everything either, but I can determinedly confirm that the windows are not the eyes; they are the ears. Instead, the gaze is lost among the objects that I keep in my drawers, in pictures, in decoration books, in candy packaging, empty painkiller bottles, creams, buttons, coins, a safety pin and a beautiful thread, a piece from a broken puzzle, an abandoned sketch, and a bird’s feather I once brought from the street with the illusion of turning it into a work of art.

–Tobías Dirty

Allí es la segunda muestra personal de Dalton Gata (Santiago de Cuba, 1977) en la Galería Agustina Ferreyra, marcando a su vez, la apertura del nuevo espacio de la galería en San Juan.

La figuración de Dalton es inconfundible. La frescura e impacto visual de sus escenas surreales, trans-eróticas, nutridas del insaciable imaginario caribeño, lo convierte en uno de los artistas más audaces del panorama Latinoamericano actual. Es este el lenguaje con el que re-imagina la cultura queer, popular, cuestiones raciales, procesos de transformación, desde un enfoque intimista y enaltecedor.

En Allí, Dalton revela ese universo paralelo donde existe su imaginario. Una serie de pinturas de gran formato recrean un lugar atemporal, onírico, de cielos encendidos, selva azul y hojarasca habitado por especies híbridas, caballas –como las llama Dalton–, y serpientes humanoides. En sus palabras: Allí es un lugar, un estado mental, un sentimiento, un sitio idílico donde habitan estos cruces de especies e identidades.

Uno de los elementos distintivos de la obra de Dalton, notable en cada una de las piezas que conforman esta muestra, son las expresiones de los rostros y gestos de sus personajes como recurso para explorar y representar identidades alternativas. Cada rostro de Allí, evoca una sensación, transmitiendo a la vez ese aire de empoderamiento inherente de los personajes daltianos. Como en They only come out at night (2022), donde aparece esta criatura esbelta, en control, vestida de latex, que anticipa la llegada de la noche errante y solo nos hace imaginar lo que está por empezar.

La versatilidad de cabellos y peinados en esta serie de piezas construye en sí misma una narrativa paralela sobre género e identidad. Melenas frondosas, onduladas y relucientes, peinados victorianos y suntuosos, que además de acentuar la subjetividad de cada personaje, invitan a pensar sobre el rol y poder del cabello, como reflejo y construcción de aquello que somos o anhelamos.

Cada obra se enriquece y potencia con la presencia de la otra. Vistas en conjunto pareciera que estamos asistiendo a una gran pasarela, donde cada uno de estos personajes representa alter egos de la sociedad contemporánea. La obra de Dalton acompaña visualmente estos tiempos de transformación y re-imaginación constantes: dejar ser para ser y finalmente existir, cómodamente, en nuestra burbuja identitaria. Sus piezas son ejemplo del poder ilimitado del artista para re-pensar, representar y normalizar aquello que resulta diferente. Cielos rosas, montañas verdes, criaturas divinas, mestizas, con colas majestuosas, una serpiente azul que se eleva en un paisaje místico-tropical, el espectador queda capturado por la singularidad y preciosismo de las escenas, para una vez allí, confrontarse con la ilusión y deseo de querer ser otro.

Allí, lugar de las transmutaciones y la coexistencia.

–Direlia Lazo

Allí is the second solo exhibition of Dalton Gata (Santiago de Cuba, 1977) in Galería Agustina Ferreyra, marking, in turn, the opening of the new space of the gallery in San Juan.

Dalton’s figuration is unmistakable. The freshness and visual impact of his surreal, trans-erotic scenes, nourished by the insatiable Caribbean imagery, make him one of the most audacious artists on the current Latin American scene. This figuration is the language with which he reimagines queer and popular culture, racial issues, transformation processes, from an intimate and uplifting approach.

In Allí, Dalton reveals that parallel universe where his imagery exists. A series of large-format paintings recreate a timeless, dreamlike place, with fiery skies, blue jungle, leaf litter inhabited by hybrid species, caballas –as Dalton calls them–and humanoid snakes. In his words: Allí is a place, a mental state, a feeling, an idyllic place where these crossings of species and identities live.

One of the distinctive elements of Dalton’s work, notable in each of the pieces that make up this exhibition, is his characters’ facial expressions and gestures as a resource to explore and represent alternative identities. Each face in Allí evokes a sensation, transmitting at the same time that inherent air of empowerment of Daltian characters. As in They only come out at night (2022), where this slender creature appears, in control, dressed in latex, who anticipates the arrival of the wandering night and only makes us imagine what is about to begin.

The versatility of hair and hairstyles in these works builds a parallel narrative about gender and identity. Leafy, wavy, and shiny hair, Victorian and sumptuous hairstyles, which accentuate the subjectivity of each character, invite us to think about the role and power of hair as a reflection and construction of what we are or for who we long.

Each work is enriched and enhanced by the presence of the other. Seen as a whole, it seems that we are witnessing a fabulous catwalk, where each of these characters represents alter egos of contemporary society. Dalton’s work visually accompanies these times of constant transformation and re-imagination: letting go to be and finally exist, comfortably, in our identity bubble. His pieces are an example of the unlimited power of the artist to re-think, represent and normalize what is different. Pink skies, green mountains, divine creatures, mestizas, with majestic tails, a blue serpent that rises in a mystical-tropical landscape, the viewer is captured by the uniqueness and preciousness of the scenes, for once there, confronted with the illusion and desire of wanting to be someone else.

Allí, a place of transmutations and coexistence.

–Direlia Lazo